La segunda teoría más adoptada por la industria del cine para la creación de guiones, es el acercamiento de secuencia.
Este método consiste de dos reglas, la primera de ellas es dividir la acción principal de una historia, en varias partes de idéntica duración.
Curiosamente, la cantidad de partes es completamente arbitraría (tres, cuatro, cinco, seis y hasta diez).
Sin embargo la mayoría de las películas optan por utilizar tan solo tres (probablemente un legado de la estructura del teatro), esto último le ha ganado que también sea reconocida con el nombre de estructura de 3 actos.
La segunda regla es que cada una de las partes debe tener su propio arco dramático, como si fueran pequeñas historias dentro de una más grande.
El acercamiento de secuencia es sobretodo utilizado en películas para televisión, ya que los cortes entre actos sirven para insertar los comerciales.
Aquí dos ejemplos...
Una mente brillante tiene cinco actos:
Parte I - Russel Crowe es un genio matemático
Parte II - Él es un espía
Parte III - Descubrimos que en realidad es un enfermo mental
Parte IV - Hace un esfuerzo por resolverlo, pero falla
Parte V - Un segundo esfuerzo resuelve el problema
Dogville tiene 10 actos:
Parte I - Prólogo
Parte II - Tom escucha un disparo y encuentra a Grace
Parte III - Grace sigue el plan de Tom y realiza labores en Dogville
Parte IV - El pueblo se complace de Grace
Parte V - Dogville vive feliz
Parte VI - Celebración del 4 de Julio
Parte VII - Dogville muestra los dientes
Parte VIII - Grace se cansa de Dogville y deja el pueblo
Parte IX - Durante una reunión se cuenta la verdad y Tom se marcha
Parte X - Dogville recibe una visita
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Existen varias teorías académicas para el desarrollo de un guión cinematográfico; la estructura de Vogler, el método SydField, el sistema griego y el acercamiento de secuencia son algunas de las más comunes.
Actualmente el método SydField es el más utilizado en el cine Hollywoodense (aproximadamente un 95% de las producciones se basan en él).
Este sistema consiste en dividir la historia del film en cuatro partes de idéntica duración.
El primer cuarto de tiempo se utilizará para plantear la historia, conoceremos al personaje principal y su motivación.
Durante el segundo y tercer cuarto, el protagonista intentará cumplir sus objetivos, confrontando diversos obstáculos que irán subiendo de nivel hasta alcanzar un punto máximo conocido como clímax.
El último cuarto del guión, sirve para concluir la historia, dar solución al evento final.
En una cinta que dura 120 minutos, la primera parte ocupará 30 minutos, la segunda una hora y la última 30 minutos al igual que la primera.
En la película E.T. el extraterrestre los tres segmentos son muy identificables:
Acto I - E.T. es abandonado en la tierra, conoce a Elliot y quiere volver a su planeta
Acto II - Diversos obstáculos le impiden hacerlo (Enfermedad, intervención del FBI, etc.)
Acto III - Escapan durante una persecución y logra abordar la nave
El guión es el elemento que casi siempre inicia los proyectos fílmicos; sin embargo, el proceso para conseguir esa historia perfecta no es sencillo.
Ya que está sujeto a varias convenciones técnicas y administrativas, así como una estructura y el uso de varias herramientas narrativas durante el desarrollo del mismo.
El primer paso es partir de una idea o premisa, que suele ser la descripción de una historia en dos párrafos máximo.
Por ejemplo:
"El avejentado patriarca de una dinastía del crimen organizado transfiere el control de su imperio clandestino a su renuente hijo"
Esta premisa puede ser una historia original o la adaptación de un trabajo existente, como una novela, un programa de televisión, un videojuego o incluso otra película.
A partir de ahí se comienza a desarrollar con más detalle y de acuerdo al formato oficial; esto último permite que cada página del guión corresponda aproximadamente a un minuto de película.
Los guiones profesionales siempre son escritos en fuente Courier de 12 puntos o en otra fuente monoespaciada que parezca escrita a máquina.
Las indicaciones técnicas (ajustes de cámara, notas para edición, etc) son anotadas en mayúsculas y las descripciones de acción y diálogos de los personajes siempre se escriben en minúsculas.
Al guión de cine se le conoce en el medio como screenplay y al de televisión como teleplay.
Ahora, existen dos tipos de guión: especulativo y de asignación; el primero se escribe con el fin de encontrar un posible comprador; el segundo a petición de un estudio o de una compañía productora.
Un guionista por asignación puede llegar a ganar hasta $50,000 dólares por semana, mientras que un guión especulativo solo suele recibir un monto base por la exclusividad de llevar la historia a la pantalla (si esto sucede, el guionista recibe una cantidad adicional).
En algunas (pocas) ocasiones, el autor recibe desde el principio su pago completo, llegue o no su guión a ser producido.
Cuando se decide que un guión va a ser realizado, se inicia el development hell, proceso durante el cual se re-escribe el mismo hasta que el productor decide que es perfecto.
Este proceso puede tardar meses e incluso años, dilatando el estreno de un film.
El proceso de distribución de una película es uno de los elementos que determinan el éxito o fracaso en la taquilla.
La distribuidora a cargo de la mercadotecnia y la logística es responsable de determinar - sin margen de error - la cantidad de copias que deben acompañar al lanzamiento en salas de cine.
Existen dos ejemplos clásicos de recaudación alterada por la cantidad de copias distribuidas.
1) Si a una cinta se le realizan más copias de las que debería tener, no obtendrá suficiente público para llenar todas las funciones; creando un saldo negativo, que deberá ser liquidado a la distribuidora (quién pago en primera instancia cada copia con un costo aproximado de $1000 dólares cada una) por parte del productor del film.
El ejemplo aquí es Crónica de un desayuno y La hija del caníbal.
2) Cuando a una cinta se le hacen menos copias de las que debería tener, da como resultado una exhibición larga en cartelera (esta es sostenida por el público que hace fila para poder verla), acumulando dinero en taquilla sin haber realizado una inversión muy grande.
Aquí se encuentra el caso de El violín rojo.
Otra responsabilidad de la distribuidora, es elegir el momento adecuado para el estreno.
Un error que se ha cometido en el pasado, es el lanzar cintas similares en la misma fecha, provocando que la taquilla se divida y que las ganancias sean menores (de aquí el porque, ahora los estudios anuncian con años de anticipación sus fechas de estreno).
También se dan casos donde algunas cintas no logran encontrar el momento adecuado para su exhibición, provocando que su llegada a los cines sea retrasada incluso por años.
O inclusive, en casos muy extremos donde la calidad y/o la temática es considerada inapropiada para el público, puede provocar que el material sea enlatado durante décadas.
Aquí también hay incontables ejemplos: Nuevo mundo (1978) del director Gabriel Retes o Los cuatro fantásticos (1994).
La última etapa en el desarrollo de una película es el proceso de distribución.
Esto significa hacer llegar el film a la audiencia.
Las 11 posibles ventanas comerciales para ello son:
| 1. Cine 2. Pay Per View en hoteles 3. Aviones privados 4. Aviones comerciales 5. Renta en DVD/Blu-ray 6. Pay Per View en televisión de paga 7. Sistema de Video On Demand 8. Canales premium en televisión de paga 9. Canales básicos en televisión de paga 10. Televisión Abierta 11. Venta en DVD/Blu-ray |
Curiosamente, aunque la distribución es el proceso final del proyecto, su planeación comienza al mismo tiempo que la producción de la cinta.
Regularmente, será una empresa especializada en comercialización, la encargada de este proceso.
A estas empresas se les da el nombre de "distribuidor fílmico".
Sus responsabilidades incluyen crear una estrategia mercadológica, realizar la campaña publicitaria correspondiente y el encargarse de la logística de las copias (para asegurar la entrega a las salas de cine).
Para la primera responsabilidad, existen básicamente 3 criterios que las distribuidoras toman en cuenta al momento de idear la estrategia de comercialización.
| A) Si la película pertenece al cine comercial o al cine de arte B) Si la película tiene afinidad con la cultura de la región C) Identificar al público objetivo (Sexo, edad, etc.) |
Del resultado se deriva el tamaño de la campaña de publicidad que se le hará a la cinta (aquí está incluida la función de prensa y la premier).La última parte de la distribución será llevada a cabo por los exhibidores, quienes se encargarán de programar el film en sus salas de cine.
Las recaudación en taquilla de la cinta se reparte de la siguiente forma.
| · El exhibidor conserva el 50% del total de la taquilla · Del 50% restante se paga la inversión publicitaria (Comerciales de televisión, espectaculares, posters, etc.) · Del restante, se descuenta la comisión del distribuidor (15% - 35%) · El sobrante es la ganancia del productor del film (eliminando obviamente los costos de producción). |
Una vez que se termina la corrección de color y la masterización del sonido, la película está prácticamente lista para transferirse a negativo o disco duro, este proceso final depende del tipo de cine en el que se exhibirá.
Si la sala cuenta con un proyector de cine análogo (cinta), el material de imagen y sonido se imprime a negativo a través de un equipo llamado filmadora (Data to Film).
La imagen y el sonido utilizan negativos distintos y durante el copiado en volumen para las salas de cine, se sincronizan para producir lo que se conoce como copia compuesta o copia final.
Por otro lado, si la sala cuenta con un proyector digital, el audio y el vídeo se sincronizan en un solo archivo en disco duro, que el proyector de cine será capaz de leer, tal y como si se tratará de un reproductor de vídeos en la computadora.
Las filmadoras más reconocidas en el medio pertenecen a Arri, CCG, Celco y Lasergraphics.
En cuanto a los formatos líderes en el mercado digital encontramos a Digital Ordnance, DLP, Iridas y Moving Image Technologies.
La Post-Producción de Sonido se realiza de forma paralela a la corrección de color, este tratamiento prepara el audio para su difusión en salas de cine.
El proceso consta de cinco etapas básicamente.
1) Copiado del material sonoro al sistema de audio digital.
Esto incluye al sonido directo (audio grabado durante la filmación), los foleys (sonidos incidentales creados para la mejora del audio), la voz en off (narración), el film score (música de acompañamiento) y el soundtrack (canciones comerciales utilizadas en el film).
2) Diseño de sonido.
Aquí se selecciona cuales sonidos quedarán finalmente en la cinta, incluyendo el orden de aparición y su duración. Este proceso sería el equivalente de la edición de imagen, pero en el audio.
3) Ingeniería de audio.
Una vez colocados cada uno de los samples en su lugar, la ingeniería se encarga de ajustar volúmenes individuales, con el fin de establecer el orden de importancia, apoyándose en la imagen de la película.
4) Mezcla de sonido.
En esta etapa se realiza la distribución de los sonidos entre las diferentes bocinas de las salas de cine, esto con el fin de crear una impresión de espacio y distancia (sonido surround).
5) Codificación.
Esto se refiere al sistema que se utilizará para almacenar la información final de audio, entre los sistemas más usados encontramos el Dolby Digital (DD) de Dolby Laboratories, Digital Theater Systems (DTS) de Yamaha, Sony Dinamic Digital Sound (SDDS) de Sony y el Sonics-DDP utilizado en cines Imax.
La selección del sistema codificador, depende del sistema de reproducción con el que cuenten las salas de cine en las que se planee exhibir.
Las estaciones de audio digital utilizadas en post-producción de sonido para films, suelen estar basadas en sistemas Pro Tools, debido principalmente a la integración del hardware y el software (ambos desarrollados y fabricados por Digidesign).
Cuando un material audiovisual ha terminado su proceso de edición y montaje, se puede iniciar con la Corrección de Color (Colour Grading). Este proceso consiste en alterar los colores de la imagen, con el fin de...
1) Reproducir la imagen lo mas parecido a lo que se filmó en el set.
2) Compensar variaciones de material (errores de película, balance de blancos, condiciones de luz)
3) Optimizar el material para el proceso de los efectos especiales (greenscreen, bluescreen)
4) Estabilizar un look determinado (sepia, surrealista, alto contraste) o
5) Mejorar y/o alterar el humor de una escena
Este proceso puede ser fotoquímico, electrónico o digital.
El proceso fotoquímico (también conocido como Color Timing) es realizado en un laboratorio de revelado; se obtiene al variar las temperaturas y tiempos de los productos que hacen contacto con la película.
El equipo que permite graduar los cambios es conocido como Analizador de Luces.
Durante la década de los 30's, la creciente popularidad de la televisión originó la necesidad de transmitir las películas que ya habían sido proyectadas en el cine.
Lo que dio paso a la creación del proceso electrónico, mejor conocido como Telecine; un dispositivo que básicamente era un proyector de cine conectado a una cámara de televisión.
Con la finalidad de igualar la imagen de cine con la imagen de vídeo, se añadieron circuitos que permiten variar las ganancias de cada uno de los canales (Rojo, Verde y Azul) en la imagen obtenida.
Esta correción se daba de manera uniforme en toda la imagen, sin que fuera posible realizar cambios parciales en el vídeo.
Actualmente el proceso digital es el más común, tanto para corregir cine, como para corregir video.
Comenzó en 1984, cuando Da Vinci Systems introdujo su primer sistema de Telecine controlado por computadora, lo que permitió realizar correcciones complejas a partir del concepto de Power Windows (una herramienta de aislado para realizar cambios en áreas especificas de la imagen).
Los sistemas más modernos adicionan Motion Tracking (Seguimiento de posición), para mover las máscaras junto con el video.
Poco después, el Telecine dio paso al escáner de película, el cual tenia suficiente calidad como para reimportar el material de nuevo a película virgen. Así surgió la Intermedia Digital.
Cintas como Amor a colores (Pleasentville) y ¿Donde estás hermano? (Oh brother, where art thou?), mostraron lo compleja que podía ser la corrección a través de una computadora, para mas tarde reimprimir el negativo de cine a través de una filmadora.
Actualmente la batalla de la Intermedia Digital se libra entre los sistemas basados en hardware (da Vinci, Pandora, Digital Vision, FilmLight) y los basados en software (Autodesk Lustre, Apple Color, Assimilate Scratch, Iridas SpeedGrade, Synthetic Aperture Color Finesse).
Los primeros se distinguen por su performance y alto costo; los segundos por su manejo en tiempo real, control de movimiento avanzado y cantidad ilimitada de máscaras.
Una vez que se han filmado y/o grabado las escenas que conformarán una película, comienza el proceso que se denomina Post-Producción.
Aquí se depura y mejora el material obtenido de imagen y sonido, con el fin de alcanzar la calidad necesaria para la distribución comercial.
A la primera parte del proceso de post se le conoce como edición o montaje. Significa ordenar de manera narrativa y rítmica, los elementos que conforman el relato (escenas, fotos, gráficos, audio).
Este montaje puede ser dividido en tres estilos.
• Clásico: Cuenta los hechos de manera narrativa y/o cronológicamente. Un buen ejemplo es Casablanca.
• Ideológico: Utiliza símbolos para describir sensaciones y provocar emociones. Aquí ubicamos a Sueños, mentiras y secretos.
• Abstracto: Ordena las escenas sin tener en cuenta una cronología determinada, tratando de dar coherencia y ritmo a la obra, resultando muchas veces en películas de tipo experimental. El ejemplo perfecto es Ashes and snow.
Ahora, tecnológicamente hablando, la edición puede ser dividida en dos tipos: Lineal y No-lineal.
La primera se refiere a que la película se va "cortando" y "reacomodando" a medida que se va recorriendo de principio a fin.
En esta categoría encontramos a las viejas moviolas de cine y a los sistemas de edición analógicos (decks y grabadoras).
En la edición no-lineal, básicamente estamos hablando de realizar la edición por medio de una computadora; es decir que se almacena el material en el sistema de cómputo, y a partir de ahí se va eliminando lo que no se utilizará y reordenando lo que sí; sin tener que ir en un orden específico.
Este último sistema es el que más prolifera, debido a los bajos costos que representa.
Los sistemas profesionales más reconocidos de esta categoría, suelen ser los de Apple Inc, Avid Tecnology, Adobe Systems y Media 100.
En la mayoría de las producciones suele filmarse/grabarse varias veces la misma escena con el fin de perfeccionarla. Así, durante la edición es común eliminar hasta un 65% del material para dar paso a la versión final del film.
Por esta razón no es muy conveniente que el director edite su propia cinta, ya que el apego emocional al proyecto, dificulta tomar las decisiones correctas en la sala de corte.
Los géneros cinematográficos de formato (Format) clasifican a una cinta por la estructura que se utilizó al desarrollarla.
Animación: Este tipo de film utiliza una secuencia de ilustraciones o fotos creadas individualmente, que al pasarlas en un orden específico dan la ilusión de movimiento; estas imágenes pueden ser dibujadas a mano, fotografiadas (stop motion), creadas por computadora o una mezcla de técnicas. Los ejemplos son Ponyo del acantilado, El extraño mundo de Jack, Horton y el mundo de los Quién, Beowolf, La leyenda.
Biografía: Este género dramatiza la vida de una persona; difiere de los films históricos, porque intenta retratar el punto culminante de una vida. Los biopics están considerados como uno de los géneros más demandantes para los actores, debido principalmente a que el personaje a interpretar tiene características muy conocidas entre el público. Aquí encontramos a Selena, Patton, Cabeza de Vaca, Lawrence de Arabia.
Documental: Esta categoría se distingue porque intenta capturar la realidad tal y como es, algunos cineastas incluso argumentan que el documental debe filmarse de manera natural, sin recreaciones actuadas; como ejemplos de documental podemos mencionar Ashes and Snow, Café de los Maestros, Masacre en Columbine.
Experimental: Utiliza cualquier técnica disponible junto con un estilo libre, para probar una reacción de la audiencia. Como muestra: Blue (Derek Jarman), Un perro andaluz (Luis Buñuel), Terciopelo azul (David Lynch).
Musical: Es un género que se caracteriza porque los personajes que intervienen, interpretan varias canciones a lo largo de la trama; algunas de estas películas suelen ser adaptaciones de obras de teatro. Ejemplos: Suéltate el pelo, Vaselina, Chicago.
Corto: Estas obras cinematográficas se distinguen porque su trama se comprime dentro de una duración que va de 1 a 40 minutos. Como ejemplo tenemos los cortometrajes que Pixar exhibe antes de la proyección de sus largometrajes.
Los géneros de formato, pueden utilizarse en combinación con los de carga emocional y los de lugar y tiempo, para clasificar con mayor exactitud a un film.
Los géneros cinematográficos de carga emocional (Mood) clasifican a una cinta por el humor que transmiten al espectador durante su exhibición.
Acción: Los films de este género, incluyen un conflicto moral entre el "bien" y el "mal", personificado claramente por un héroe y un villano; se desarrolla en medio de violencia o fuerza física. Un ejemplo clásico son las películas de James Bond y más contemporáneo G.I. Joe y The Spirit.
Aventura: Este tipo de género incluye peligro, riesgo y un alto nivel de fantasía como parte de los sucesos que debe superar el protagonista. Como ejemplos tenemos a la serie de Indiana Jones y El mundo mágico de Terabithia.
Fantasía: Utiliza elementos imaginarios como parte del desarrollo de la historia, son comunes el uso de magia, animales fantásticos y sueños. El ejemplo perfecto es la saga de Harry Potter, Narnia y Las crónicas de Spiderwick.
Comedia: Es un género que básicamente busca provocar la risa. Existen 6 niveles donde cada escalón utiliza un método humorístico distinto.
| 1 : | Obscenidad - Ausencia de pudor | |
| (Loco por Mary) | ||
| 2 : | Infortunio físico y verbal - Capacidades alteradas | |
| (Chaplin, Cantinflas) | ||
| 3 : | Comedia de enredos - Existe un complot con el espectador | |
| (Los enredos de Wanda, Óscar) | ||
| 4 : | Comedia de costumbres - Burla de algo cotidiano | |
| (Juno: crecer, correr y tropezar) | ||
| 5 : | Ingenio verbal - Chistes con referencias culturales | |
| (La leyenda de la Nahuala) | ||
| 6 : | Alta comedia - Uso de ironía | |
| (Suéltate el pelo) |
Drama: Se basa en la interacción de personajes profundos y el uso de temas altamente emotivos. Ejemplo: Sueño de fuga, Belleza americana, Que bello es vivir!, Nadie te quiere más que yo.
Romance: Se refiere a la relación sentimental de una pareja como el centro sobre el cual se desarrolla la película. Los ejemplos son variados Dulce Noviembre, Orgullo y prejuicio, Sintonía de amor.
Sexual: Contiene comportamiento sexual explícito, este tipo de film suele ser conocido también como cine para adultos. Ejemplos: Garganta profunda, Romance X, El último tango en París, Calígula.
Terror: Género que busca provocar miedo en el espectador a través de situaciones desconocidas de peligro inminente. El mejor ejemplo es El proyecto de la bruja de Blair o El aro.
Horror: Las cintas de este tipo, buscan provocar el asco y la repulsión a través de imágenes intensas; el uso de sangre, mutilaciones y tortura suelen ser abundantes. Aquí se ubica a Saw: El juego del miedo, Hostal y Exterminio.
Misterio: Este género se caracteriza porque la historia no está completamente explicada y no se resuelve sino hasta el final. Además de que el protagonista va recibiendo la información al mismo tiempo que el espectador, ejemplos: Sexto sentido, El orfanato, The imaginarium of Doctor Parnassus.
Thriller: Películas cuyo objetivo es el provocar excitación y tensión nerviosa por medio de situaciones, donde el espectador tiene más información que el mismo protagonista de la historia. Ejemplos: El silencio de los inocentes, Psicosis (especialmente el remake), Alien contra Depredador.
Suspenso: En este género se provoca la tensión emocional del espectador, con situaciones donde los personajes de la historia saben más de lo que se ha revelado al público. Ejemplos, Swordfish: Acceso autorizado, Gosford Park: Muerte a la medianoche, El ilusionista.
Los géneros de carga emocional, pueden utilizarse en combinación con los de formato y los de lugar y tiempo, para clasificar con mayor exactitud a un film.
Los géneros cinematográficos de lugar y tiempo (Setting) clasifican a una cinta por el momento donde se ubica su narrativa.
Existen diferentes opiniones en cuanto a la cantidad de géneros que son válidos; los siguientes son los más utilizados.
Crimen: Es una película que se desenvuelve alrededor de un delito, ahonda en el tema de la justicia criminal y el lado oscuro de la naturaleza humana, un buen ejemplo son El padrino y Amores asesinos.
FIlm Noir: Es el término Hollywoodesco que se utiliza para describir a las cintas que hacen énfasis en la ambigüedad moral y en la motivación sexual, frecuentemente va acompañado de una fotografía muy contrastada. El ejemplo clásico es Casablanca.
Histórica: Estas historias están basadas en eventos históricos y personajes famosos, algunos films intentan reproducir los hechos con bastante exactitud, mientras que otras cintas son historias de ficción basadas en los hechos ocurridos. Los ejemplos para ambos estilos pueden ser JFK y Ciudadano Kane respectivamente.
Sci-Fi: Es un género que utiliza la especulación basada en la ciencia, son recurrentes los temas de vida extraterrestre, viaje en el tiempo y robots; suele usarse para hacer comentarios sobre temas políticos y sociales. El ejemplo perfecto son Metrópolis y WALL·E.
Deportes: Son cintas que se desarrollan en una cancha deportiva o alrededor de una figura emblemática del deporte. Un ejemplo muy claro son Carros de fuego, Un equipo muy especial, Rocky o Un domingo cualquiera.
Guerra: Es un género concerniente a hechos de guerra, enfocado algunas veces sobre prisioneros de guerra, operaciones encubiertas y entrenamiento militar; también es común incluir romance en la trama. Algunos ejemplos serían Imperio del sol y Lawrence de Arabia.
Western: Género devoto a las historias ubicadas en la segunda mitad del siglo 19, principalmente en el oeste de los Estados Unidos, Canada, México e incluso Australia; retratan la forma de vida primitiva y obsoleta confrontándose con la tecnología moderna y los cambios sociales. Los ejemplos son El gran robo al tren y El bueno, el malo y el feo.
Los géneros de lugar y tiempo, pueden utilizarse en combinación con los de formato y carga emocional, para clasificar con mayor exactitud a un film.
Con el surgimiento a finales de los 90's de las cámaras de cine digital, la primera pregunta que invadío a los cineastas, fue ¿Cual es el mejor método para hacer un film, la película tradicional o el sistema digital?.
Para poder responder a la pregunta, primero es necesario entender algunos conceptos importantes.
Las cámaras digitales captan sus imágenes a través de un circuito sensible a la luz. Para almacenarlas utilizan un dispositivo magnético (cassettes) o electrónico (memorias).
Este material grabado deberá ser de alta definición, puesto que solo así será posible ampliarlo durante su exhibición en las salas de cine.
Existen 4 factores que determinan la calidad de la cinefotografía digital.
• Resolución: Se refiere al tamaño de imagen que entrega el sensor electrónico de la cámara.
• Profundidad de Bit (Bit Depth): Es la cantidad de colores que una cámara digital es capaz de captar.
• Velocidad de transmisión (Bit Rate): Es la rapidez con que se graban las imágenes. De hecho, en caso de no ser suficiente, no se almacenan completos los cuadros de imagen (a esto se le llama Compresión).
• Óptica profesional: Las cámaras de cine digital tienen lentes desmontables, lo que permite utilizar la óptica de las cámaras de negativo (en contraste, una cámara amateur suele tener lentes fijos).
Este es un cuadro de las cámaras de cine digital, disponibles actualmente en el mercado.
| Fabricante | Resolución | Bit Depth | ||
|---|---|---|---|---|
| Drachenfeder | ||||
| Panavision | ||||
| Panasonic | ||||
| Thomson | ||||
| Panasonic | ||||
| Kinetta | ||||
| Arri | ||||
| Sony | ||||
| Silicon Imaging | ||||
| Vision Research | ||||
| Red Digital Cinema | ||||
| Vision Research | ||||
| Dalsa |
| Resoluciones |
| HD | = | 1080 x 720 Pixeles |
| Full HD | = | 1920 x 1080 Pixeles |
| 2K | = | 2048 x 1556 Pixeles |
| 4K | = | 4096 x 3112 Pixeles |
| Profundidad de Bit (Bit Depth) |
| 8 Bits | = | 16,777,216 Colores |
| 10 Bits | = | 1,073,741,824 Colores |
| 12 Bits | = | 68,719,476,736 Colores |
| 14 Bits | = | 274,877,906,944 Colores |
| 16 Bits | = | 1,099,511,627,776 Colores |
| ISO |
* Las cámaras digitales pueden simular el ISO (Sensibilidad a la luz) de la película de cine.
Al comparar la película de negativo y la película digital, podemos resumir que el negativo de 35 mm tiene una calidad equivalente al material 4K; mientras que el negativo de 16 mm equivale al 2K.
Un dato interesante es que la mayoría de los proyectores de cine que se utilizan en los complejos cinematográficos, siguen siendo de calidad HD.
Lo que significa que una película comercial puede ser realizada en HD, Full HD, 2K, 4K, 35 mm o 16 mm, sin que esto afecte considerablemente la calidad de la cinta.
La excepción se da cuando la producción requiere efectos visuales, en ese caso será imperante utilizar 2K, 4K ó 35 mm, con el fin de obtener el mayor tamaño posible de imagen, lo que permitirá un acabado visual mas fino.
Otra razón más para filmar 2K, 4K o 35 mm; es cuando se planea exhibir a través de proyectores digitales, ya que este tipo de hardware soporta perfectamente la calidad de imagen 2K y 4K.
Pero finalmente, el factor que muchas veces decide con que cámara se realiza un film, es el costo de la misma y el del material con el que se almacena la imagen.
El material con el que se captura la imagen de una película, ha ido cambiando con el paso de los años.
A principios del siglo pasado, solía utilizarse nitrato de celulosa como el material base para los negativos de filmación.
Este celuloide era difícil de manipular, debido a su alto grado explosivo y a que fácilmente entraba en descomposición. Curiosamente esto no evitó que se siguiera ocupando hasta 1955.
Durante la década de los 30's apareció una segunda opción, el acetato de celulosa. Este compuesto era mucho más estable, pero se degradaba en temperaturas altas.
El olor tan característico que desprendía durante su descomposición, fue bautizado como "Síndrome Vinagre".
En los 80's, Kodak introdujo la película con base de poliéster, esta es mucho más resistente y segura que la de sus antecesores; por ello frecuentemente se utiliza con fines de archivo.
Pero el material no es lo único que ha variado, los negativos de cine también se fabrican en diferentes formatos (tamaño de negativo).
El formato que se seleccione afectará tanto la calidad de imagen de la cinta, como su costo.
Los más utilizados son 8, 16, 35 y 70 mm (IMAX), se producen para obtener imagen a color y B&N (este último suele ser muy caro debido al proceso de fabricación y revelado).
Otra característica muy importante es el ISO (sensibilidad a la luz).
Existen películas con ISO muy alta (actualmente hasta 500), ideales para filmar en cámara lenta; así como para velocidad normal (ISO 50 - 200).
Igualmente se producen para filmar especialmente con la luz del día (D) o con la luz artificial de tugsteno (T)
La película se encuentra disponible en rollos de 100 pies (16 mm), 400 pies (16 y 35 mm) y de 1000 pies (35 y 70 mm). Cada 100 pies es igual a 1 minuto de película.
Para la proyección en las salas de cine, se utiliza película positiva (Reversal film) de 35 mm.
Las películas más ocupadas en México suelen ser Fuji Eterna y Kodak Vision.
Una de las características más importantes de las películas es el aspect ratio, esto es la forma y proporción que tiene una imagen al momento de ser proyectada (rectangular o cuadrada).
William Dickson y Thomas Alva Edison establecieron en 1892, al negativo de 35 mm como el estándar para el cine; el espacio que existe entre los sprockets (orificios) de la película, es lo que determinó el tamaño de imagen a utilizarse.
Para mayor facilidad al referirse al aspect ratio, la industria cinematográfica asigna a la altura de la imagen el valor de 1, y el ancho de la misma lo expresa como una proporción de la altura, así el negativo de 35 mm tiene un aspect ratio de 1.38:1 (ancho:altura).
En la televisión se utiliza una proporción de 1.33:1, esta se instituyó desde los 30's por la Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS). Al final de esa misma década, el cine se homologó con el mismo aspect ratio.
A finales de los 50's, la audiencia de las salas de cine comenzó a caer, debido a la popularidad de la televisión; fue entonces cuando Hollywood adoptó el formato 1:85:1 para diferenciar a su industria de la TV.
La producción cinematográfica actual utiliza los aspect ratios 1.85:1 y 2.35:1 como estándares no oficiales.
Ahora bien, aunque podemos expresar el aspect ratio con fracciones decimales y/o con números enteros, es mas común utilizar el primer método para identificar al cine y el segundo para identificar al vídeo.
Televisión = 4:3
Cine americano = 1.85:1 / 2.35:1
Cine europeo = 1.66:1
El uso de tantos aspect ratios diferentes ocasiona un gran problema al momento de llevar una película de un medio a otro.
El caso más común es cuando se transmite una película por televisión; la imagen original de cine es demasiado amplia para el formato de la TV.
Para lograr colocarla dentro del 4:3, es necesario recortar los extremos laterales de la cinta (Fullscreen / Pan and Scan); o en su defecto encajarla en el ancho disponible de pantalla (Widescreen / Letterbox), rellenando con barras negras por arriba y abajo de la imagen.
Los dos métodos presentan ciertos problemas, el Pan and Scan por ejemplo, elimina hasta el 45% del material fílmico, mientras que el Letterbox desperdicia una gran parte de la pantalla de televisión, lo que da por resultado imágenes muy reducidas.
Curiosamente, el uso de estos dos métodos provoca un fenómeno entre los espectadores de televisión, pues debido a que están acostumbrados a las transmisiónes a pantalla completa, suelen tener la falsa impresión de que una película que se presenta en Fullscreen, es superior a la misma película que se presente en formato Widescreen (aún cuando se esté omitiendo parte del material original).
Para algunos directores esto es inaceptable, y como solución filman sus películas a negativo extendido (lo que significa que filman con el aspect ratio homologado de los 30's), a este procedimiento se le conoce como Open Matte (En estos raros casos la versión de televisión contiene mas material que la versión de cine).
Sin embargo el problema no siempre se resuelve satisfactoriamente, pues en los casos donde la película requiere efectos especiales, los estudios tienen la política de recortar costos, y esto significa que la parte de la imagen que no se vea en cines, no será procesada, dando por resultado la necesidad de usar Pan and Scan al momento de llevar esas escenas a la TV.
Otro problema del Open Matte es que suele revelar en la versión de televisión; cables, micrófonos y ventiladores, que en la versión de cine habían sido eliminados.
Por todo esto, directores como Steven Spielberg y Woody Allen no permiten distribuir versiones Fullscreen de sus películas y esto explica el porque solo existen versiones Letterbox para VHS y DVD.
En los últimos años, el cine ha influenciado más que nunca a la televisión; esa es la razón por la que la televisión de alta definición (HDTV) se desarrollo con el aspect ratio 16:9 (1.78:1).
La ventaja que ofrece una televisión HDTV contra una televisión estándar, es que al momento de ver una película o un programa de TV grabado en el formato original de 4:3, este no pierde ninguna parte de la imagen gracias al proceso de Pillarboxing (bandas negras a los lados de la imagen).
Además el formato HDTV es intermedio entre el del cine americano y el del cine europeo; así que esto podría eliminar una gran parte de los problemas que conlleva la transferencia de material de un medio a otro.
Con esto en mente, la Unión Europea junto con la Federación de Bosnia y Herzegovina han instituido (con un fondo de 228 millones de euros) el Plan de Acción 16:9 que intenta acelerar la implantación mundial de la televisión de alta definición.
Actualmente el HDTV se utiliza como estándar televisivo en Australia, Japón, Corea del Sur, Estados Unidos, el Reino Unido, Francia, Alemania, Suiza, Italia y Grecia.
Si tomamos en cuenta la influencia de los estándares del cine sobre la industria de la televisión, y el que cada vez más películas se graban, en lugar de filmarse, podríamos augurar que la separación entre el cine y el vídeo comienza a desvanecerse.
Los criterios para la clasificación de películas cinematográficas (Motion picture rating system) sirven para determinar si una cinta es apta para niños y/o adultos en términos de sexo, violencia, drogas, profanidad u otros tipos de contenido para adultos. A esta clasificación se le conoce como "Certificación".
En algunos países, una entidad gubernamental decide la certificación que se otorga a una proyección (tal como sucede en México y Australia), mientras que en otros (como Estados Unidos) es decidida por la misma industria.
La influencia sobre el público es un factor de peso para decidir la categoría, y esta varia de cultura a cultura; por ejemplo, en países como Estados Unidos y México, las películas con contenido sexual se restringen a un público adulto, mientras que en países como Francia y Alemania son muy flexibles en cuanto a espectadores jóvenes.
De la misma manera, países como Alemania y Finlandia censuran fuertemente la violencia, mientras que los países americanos son mucho más tolerantes a ella.
Un film puede ser re-editado con el fin de obtener una certificación en particular, para así obtener una mayor audiencia. Esto ha ayudado a que las versiones Unrated, Uncut y Uncensored de dvd, sean muy atractivas al público.
Los Estados Unidos comenzaron a aplicar el sistema en 1968, a través de la Motion Pictures Association of America (MPAA); el comité que decide, se conforma de un panel demográficamente balanceado de 10 padres de familia, con un comité de apelación de ratings, conformado por 14 empresarios de la industria fílmica.
Actualmente solo existen 5 posibles certificaciones en Norteamérica:
G : Audiencia en General (Se admiten todas las edades)
PG : Guía Parental sugerida (Material no apto para niños)
PG-13 : Fuerte advertencia Parental (Inapropiado para menores de 13 años)
R : Restringida (Menores de 17 requieren la compañía de un adulto)
NC-17 : No se admiten menores de 17 años
En México, la Dirección General de Radio, Televisión y Cinematografía, es la encargada de aplicar la certificación a las producciones cinematográficas; la RTC depende de la Secretaría de Gobernación.
Actualmente solo existen 6 posibles certificaciones en México:
AA : Infantil (Particularmente atractiva y comprensible para niños menores de 7 años de edad)
A : Apta para todo público (Atractiva para menores de 12 años)
B : Adolescentes y Adultos (Apta para mayores de 12 años)
B15 : No recomendada para menores de 15 años
C : Adultos de 18 años en adelante
D : Exclusivamente para adultos (También conocida como clasificación X)
El IMAX Motion Picture Systems es un formato de cine que permite obtener una imagen de mayor claridad y tamaño (22 x 16.1 metros). Su secreto es el negativo de 70 mm, que es 10 veces mas grande que el negativo convencional de 35 mm.
El nombre oficial del formato es IMAX 15/70, que significa Imagen Máxima de 70 mm y 15 perforaciones (Sprockets). Fue desarrollado en 1970 por Imax Corporation, a partir de la idea de proyecciones gigantes multi-pantalla (Sistema Cinerama).
Los proyectores IMAX son de alta precisión; su desempeño se debe al suave movimiento horizontal del magazine de la cinta. Durante la proyección, cada cuadro es posicionado por dientes de registro y la película es fuertemente sostenida al lente por medio de un sistema de aspirado, lo que resulta en una imagen perfectamente enfocada.
Para lograr todavía mayor impacto durante la proyección, diseñaron un sistema de audio de 6 canales, almacenado en una cinta magnética que el IMAX TAC-86 se encarga de repartir a las 6 bocinas Surround de la sala de proyección.
Cabe mencionar, que este sistema solo permite proyecciones de hasta 50 minutos, ya que es el tiempo máximo de una cinta de audio (5000 pies).
En 1988, Imax Corporation adquirió a Sonics Associates, quienes desarrollaron el Sonics Proportional Point Source Loudspeaker System; eliminando las variantes de sonido y volumen en la sala, lo que permite que todos los miembros de la audiencia experimenten la misma calidad de audio, sin importar donde se encuentren.
Sonics también convirtió el sistema análogo de audio a digital; así, el Sonics-DDP (Digital Disk Playback) almacena los 6 canales de audio en 3 discos compactos; permitiendo sonido sin perdida de calidad y aumentando el tiempo de reproducción.
En 1993 fueron mas lejos, creando el PSE (Personal Sound Environment), que reproduce 10 canales de audio; 8 canales en la sala por medio de 4 discos compactos y 2 canales extras a través de las bocinas de los lentes IMAX 3D.
Esto dio origen al formato IMAX 3D y IMAX 3D Dome (Cada domo tiene un diámetro de 27 metros). Un sistema de audio de este tipo tiene un costo de aproximadamente $300,000 dólares.
EL IMAX 3D dio paso al IMAX HD, sistema que reproduce 48 cuadros por segundo (el doble de la velocidad estándar) logrando imágenes aún mas suaves y nítidas.
Actualmente, Imax Corporation ofrece un extenso soporte a los cineastas que filman con su sistema; por medio de 26 cámaras IMAX (dos de ellas cámaras estereoscópicas IMAX 3D, tres de ellas cámaras portátiles IMAX Mark II, para grabación en mano).
Existen 280 salas IMAX en operación, a través de 40 países, más de 50 son IMAX 3D.
La primera película IMAX se filmó en 1971 (North of Superior), al día de hoy existen más de 115 títulos.
El THX (Tomlinson Holman eXperiment) fue desarrollado en 1982 por Lucasfilm, como un sello de calidad para el audio de una película. La primera cinta en utilizarlo fue El regreso del Jedi.
Cuando esta presente, significa que la sala reproduce adecuadamente el sonido de la película. Puede avalar a los sistemas de reproducción Dolby Surround, DD, DTS y SDDS.
El DVD (Digital Video Disc) tiene una capacidad de 2 Hrs de vídeo (4.7 GB), 4 Hrs de vídeo (8.5 GB) en su versión de doble capa (Dual Layer).
Los discos HD permiten reproducir vídeo en alta resolución (que es casi cuatro veces la calidad del DVD) estándar.
El Blu-ray Disc de 50 GB soporta 9 horas de vídeo HD; y el HD DVD de 30 GB soporta 3 horas y media.
Las primeras películas reproducían el sonido con una bocina única, a esto se le llamaba sistema monoaural, actualmente utilizan más de un parlante para crear sonido multidireccional (Surround). Las salas de cine cuentan con diferentes tecnologías de reproducción:
SDDS (Sony Dinamic Digital Sound) : 8 Canales de sonido
DTS (Digital Theater Systems) : 6 Canales de sonido (soportados externamente en cd y sincronizado por código de barras)
DD (Dolby Digital) : 6 Canales de sonido
Dolby Surround : 2 Canales de sonido estéreo análogo
El audio suele "filmarse" entre los orificios (Sprockets) de la cinta de película, en estos 4 formatos a la vez.
